Queer Art
Exhibition

蒼

作品名｜いたいです

となりに居たい。それでも痛い。わたしは異体？
そんなことばかり考えながら、撮って、詠んで、生きてきた。
そんなことばかり考えながら、恋に溺れ、高校生活を、生きている。
そんなことばかり考えながら、私はきっとこの先も、生きていく。

いつか
誰かのとなりに居れたとしても、
この痛みがひいたとしても、
異体である自分を愛せたとしても、
そんなことばかり考えていた今を、忘れずにいたい。春。

あんず

作品名｜we are here

人の生きる社会を模した木彫の群像作品。
「擬態のない世界」をテーマに、ある種の理想郷、いつか訪れるかもしれない”いつか”の世界を夢見て制作した。
2024年に一部リペイントを施し、「我々はここにいるのだ」というメッセージを主張する作品になった。

vivi & vela

作品名｜diversity

LGBTQ+の不屈の精神の象徴である6色のプライドフラッグを描いた作品です。 重なる筆致は多様な個性が一つに集うコミュニティの姿を映し出し、色彩や質感の移ろいは、多様性を物語っています。 LGBTQ+の権利が揺らぐ今、この旗は祝福を超え、強さと誇り、平等への終わらぬ闘いを象徴しています。

This bold, bright depiction of the six-color pride flag symbolizes LGBTQ+ resilience. The variety of textured strokes expresses diversity, while shifting iridescent colors represent complexity and transformation. As LGBTQ+ rights are under threat, the flag transcends celebration, embodying strength, defiance, and the ongoing fight for equality.

作品名｜inclusion

この曼荼羅アートは、多彩なプライドフラッグの色を織り交ぜ、LGBTQ+コミュニティのつながりと包容力を表現した作品です。 模様のひとつひとつに異なるアイデンティティが宿り、それぞれの個性が響き合いながらひとつの調和を生み出していきます。繊細なドットと対称的な構成が、共存の美しさを表現しています。 移ろう色と幾何学模様が、多様性の豊かさと共に歩む力強さを象徴しています。

This mandala art incorporates colors from various pride flags, symbolizing unity within the LGBTQ+ community. The flowing transitions between colors celebrate specific identities as part of a greater whole, embodying the beauty of diversity, inclusion, and collective strength.

上田有紗

作品名｜虹色弁当

手づくりの虹色弁当と、蓋をされて守られた日の丸弁当、複数の手が伸びる虹色弁当、外部に広がる”その他”の豊かな営みを、4コマ漫画ならぬ4コマ写真として並置した。

LGBTQ＋コミュニティの誇りを示すプライドフラッグ、通称「レインボーフラッグ」は、DIYの精神から生まれた。8色から、より広く普及させるため、印刷しやすい6色へ。さらに、トランスジェンダーと有色人種の包摂を明確に示すプログレス・プライドフラッグへと更新されてきた。また、黄・白・紫・黒のノンバイナリーフラッグなど、各コミュニティが自らの尊厳を表す新たな旗をつくり続けている。

日本では日の丸を守るため国旗損壊罪について議論されている。虹色の旗は自らの手で守り掲げていくしかない。

一方で、旗の外側にこそ、それぞれの生活がある。ド派手な虹色に気後れしている者も、カタカナ用語に戸惑っている者も、西洋由来のパレード文化に距離を感じている者もいるだろう。”その他”にこそ、多様な営みが広がっている。

囲んで食べてもよいし、ただ眺めるだけでもよい。恐れずに対話を。関わりのなかで生じた迷いや揺れ、変化は、虹色のグラデーションが包み込んでくれるはずだ。

大塚隆史 a.k.a. taqotsuka

作品名｜Remember this, honeyーqueer is dissent!

17歳の時にゲイリブの思想に触れ、自分の生き方の大きな指針を手に入れてから、60年以上の歳月が流れました。その間、私はさまざまな美術作品を制作してきましたが、「Queer Art Exhibition」という、queerを冠したこの展覧会に応募するにあたり、あらためて自分の歩んできた道を振り返り、自身のqueer性について考え直しました。
そのひとつの答えとして生まれたのが、本作です。

queerという大きなアンブレラタームには、現在、さまざまな意味や立場が包摂されています。しかし同時に、この言葉がもともと「変態」「奇妙な人」を意味する蔑称であったという原義を、私は忘れずにいたいと思っています。
本作は、queerとは同化や無害化ではなく、社会の規範に対する異議申し立て（dissent）であるということを、自分自身に言い聞かせるための宣言でもあります。

OTOKONOKOTO

作品名｜Man in Frilly Socks

僕は幼稚園生のころ、一時期、レースのフリルがついた靴下を履いていた。

母と買い物に行ったときに買ってもらったものだ。

「ほしい」となかなか言えず、靴下売り場に長い時間立っていた記憶がある。

あのときの僕は、どうしてフリルの靴下を履きたかったのだろう。

フリルの靴下を何種類も買ってもらった。

初めてフリルの靴下を履いた時、その靴下で幼稚園に行った時、僕はどんな気持ちだったのだろう。

僕は女の子になりたかったのだろうか。

それとも、フリルの靴下を履く女の子たちが羨ましかったのだろうか。

どうしてフリルの靴下は、女の子ばかりが履いているのだろう。

いつのまにか僕はフリルの靴下を履かなくなっていた。

あのとき以来数十年フリルの靴下を履いていない。

どうして履かなくなったのだろう。

好みが変わったのか、自分には似合わない、合わないと思ったのか。

家族や周りの人が僕の靴下について何か言っていたという記憶はない。

僕がフリルの靴下を履いていたことを覚えている人はいるのだろうか。

今はフリルの靴下を履きたいとは思わない。

でも絶対に履きたくないというわけではない。

今は今で、履きたい靴下を履いている。

あのとき履きたかった靴下を買ってくれたお母さん、ありがとう。

フリルの靴下は結構高かったはず。

おもち

作品名｜「身体と社会」”欲望”-1

コンセプトは、彫刻と衣服のあわい。
本作品は羊毛製のジャケットであり、人が衣服・アクセサリーとして身につけられる。一方でトルソー支柱に挿すことで作品自体が自立するため、衣服とソフトスカルプチャーの２側面を持つ。
また、前方に開かれた構造とすることで、着用者に対する物理的な制限を緩和し、多くの体型体型・状態の人が身につけられるものとしている。

もう一つのコンセプトとして、前景化した身体・ファッション観の内省がある。
人やその代替となるトルソーを必要とせず自立する、着用者を制限しない”衣服”である本作品は、特定の身体性に結びついていない。一方でこの作品は、
・手芸の技法(羊毛フェルト)を主たる技法として採用していること
・肉厚なヒダが重なり、フリルのような印象を受けること
などを理由に、”女性的な身体”を連想させる可能性が高いと予想される。
鑑賞者に対して
「この作品を服として認識をするか、認識する場合どのような身体の人が身につけることを想像するか。」
を問いとして提示することで、その人が無意識に内在化したファッションコードやボディイメージ（”手芸的な作品＝女性のもの”、”フリル＝女性が身につけるもの”など）を顕在化させ、鑑賞者にアンコンシャスバイアスや社会規範の内在化について内省する機会を与える。

織部　佳積

作品名｜Far Away

2011年から、桜の花に特別な思いを持っています。
きっかけは東日本大震災、報道で福島の桜の名所の映像を見たことでした。人間が立ち入れない高濃度の放射線に汚染された区域で、妖しくも美しく咲き誇る桜、それはまるで、坂口安吾の「桜の森の満開の下」に登場する鬼女が、人間の愚かさを嘲って哄笑しているようでした。
これまで、自分達の問題、LGBTQへの差別や人権のことばかり考えて活動をしていた私が、初めて「苦しんでいるのは自分達だけじゃない。いつ誰が不幸や絶望に襲われるかは分からない。この社会全体が良くならなければ問題は何も解決しない」と、目が開かれた時でした。
震災前からアートだけではなく、HIV/AIDSに関する活動もしていましたが、それ以来、この社会における様々な不公平や不平等の問題にも目を向けるようになりました。そのきっかけとなった桜の花を、今も度々作品の中に描き続けています。

かしま

作品名｜入浴

私のものづくりの根本にあるのは、モデルである彼という人を、飽きることなく見つめ続けたいという、静かで切実な執着である。彼が体現する混じりけのない『健やかさ』は、私にとってひとつの救いであり、抗いようのない憧れだ。
本作は、『入浴』という、この上なく私的で無防備な瞬間に宿る、彼のありのままの温もりと命の手触りを、凝視に近い眼差しで捉えようと試みた。
水彩の流れるような筆致や色の滲みは、見守る時の中で揺らぎ続ける彼そのものを描写するための手段である。冷ややかなタイルと、彼の肌が放つ柔らかなぬくもりの対比に、自分と他人の境界を意識するとともに、彼をただじっと見守り続けたいという私の願い、渇望を乗せた。
ドラマチックな物語を添えるのではなく、ただそこに居る彼を、ありのままの距離感で慈しみ続けること。その、執拗なまでに見つめ続けた積み重ねこそが、私の愛のかたちであり、揺らぐ身体が持つ静かな尊厳を、キャンバスに残すための方法である。

KANE and KOTFE

作品名｜stargazer

KANEとKOTFEは、2011年12月に交際を始めたゲイカップル。
本作は、交際から約1年後の2012年12月に生まれた。

当時KOTFEは、自身初となる楽曲アルバム『peaces（未発表作品）』の制作に取り掛かっていた。
そこに込めたのは、これまでの人生の軌跡。

孤独、葛藤、社会との摩擦、名づけられなかった感情。
クィアとして生きるなかで積み重ねてきた時間を、視覚的象徴として結晶化させたいと願った。

2012年当時、日本社会においてクィアのパートナーシップは制度的承認を持たず、その関係性はしばしば不可視のまま私的領域に押し込められていた。

愛は確かに存在していても、それを公的に語る言葉や場は限られていた時代である。
そのような背景のなか、KOTFEがKANEに託したテーマは、ただ一言。

「世界で一番悲しい花を描いてほしい」。

数日後、KANEが描き上げたのは、一輪のブルースターだった。
「僕がKOTFEを照らしているから、もう寂しくないよ。」

ブルースターは月光のような柔らかな光に包まれ、空を見上げている。
その月光は、風景ではなく、KANEという他者の存在が放つ光である。

その光は“救済”ではない。

KOTFEの孤独を消すためのものではなく、孤独のなかに共に在るという、KANEからの愛のメッセージである。

ブルースターの花言葉は
「幸福な愛」「信じあう心」「望郷」。

stargazerとは、星を見つめる者。
遠くにある希望を信じ続ける存在の姿。

当時、不可視であったふたりの関係性は、
互いを信じ、見つめ合うことで、はじめて輪郭を持った。

本作《stargazer》は、
制度に先んじて存在していたふたりの愛の記録であり、
痛みを抱えながらも愛する者と共に生きることを選んだ、
互いを照らし合う関係性を象徴する作品である。

この光こそが、ふたりの始まりであり、
いまも続く現在形の愛である。

狩野萌

作品名｜優しい白

2026年1月、群馬に住んでいた私たちは再び東京へと戻った。パートナーの実家で暮らし始めたのだ。パートナーの母親、父親、そして犬と共に。前作はパートナーと私、2人だけの生活を撮ったものであったが、今作は4人＋1匹の生活を写真に納めた。義父母の存在以上に、犬の存在がこの家では際立っている。15年ずっとここに住んでいる。散歩以外は外に出ることもないため、日中もほとんど家にいる。突然家にやってきた私のことを、彼はどう思っているのだろう。犬から見たら、異性愛者だろうが、同性愛者だろうが、同じ人間なのかもしれない。彼の態度は変わらないように見え、安心した。それは義父母に関してもだ。もちろん、心の中でどう思っているかはわからない。それでも、彼らの温かい態度に触れることによって、私はここで暮らせている。それはきっと、これからも変わらず、続いていく。

川端 櫂

作品名｜障害のあるクィア、ここにあり。

私は怒っている。障害者もLGBTQもこの街で確かに生きているのに、あたかもいないことにする社会に。トランス差別に加担していることを自覚しながら、それでも生き延びるために、シス・ヘテロ前提で回る介助制度を使わざるを得ない自分自身に。
私には言語障害がある。自分では他の人と同じように話しているつもりなのに、口周りの筋肉をうまく動かせず、不明瞭な発音でしか言葉を話せない。伝えたい言葉があるのに、話しても伝わらないことが悔しくて、今まで文章を書くことで、社会に抗ってきた。ライターとしての自負もある。しかし、自分が生き延びるための怒りは、どうしても文字にはできなかった。そんな私にアートという新しい表現方法を与えてくれたのは、私のセクシュアリティをありのまま認めてくれた友だった。
障害もセクシュアリティも私の一部として認め、ありのままの私を見てくれる全ての仲間に感謝する。あなたたちのおかげで、私はちゃんと笑えています。
Photo：加藤 栄
Direction：間々田 久渚

久々利

作品名｜未知の路(みち)【仮題】

自分の生きた痕跡と振り返りの軌跡であり「こんな奴も居るんだぞ」という少しだけ重い世間話のようなモノ

kurukuru ART / アヤスズキ

作品名｜PRIDEのある日常

この作品は、「PRIDEは特別な日だけのものではなく、日常の中に散らばっている」という感覚を、ひとつの画面に詰め込んだ作品です。
セクシュアリティや性別、年齢、見た目、立場の違いに関わらず、私たちはそれぞれの生活を送りながら、笑ったり悩んだり、迷いながらここに立っています。 画面には無数の人や言葉が登場しますが、主役はひとりではありません。
誰かが誰かを支え、隣に立ち、同じ空間を共有している状態そのものを描いています。
「You are not alone」「I’m here」「Stay soft, stay you」などといった言葉は、強い主張ではなく、日常の中でそっと差し出される小さなサインです。 PRIDEとは声を上げる勇気であると同時に、静かに存在し続けることでもある。
この絵が、見る人それぞれにとっての「居場所」や「味方」を思い出すきっかけになればと思っています。

作品名｜モクモックモ

人の中には、たくさんの感情がある。ひとつに決めることなんて、本当はできない。好きも、嫌いも、安心も、不安も、全部が同時にここにある。
それでも人は、「どれかひとつ」を選ぼうとする。わかりやすく、整った形にしようとする。名前をつけて、分類して、安心しようとする。
けれど、その途中で、いくつかの自分が消えていく。誰かに説明するために、言葉からはみ出した感覚や、矛盾した状態を置き去りにしてしまう。
性も、愛も、生き方も、本当は天気のように揺れていていい。それでも人は、固定された正解を求めてしまう。
モクモックモ(雲)は、消えなかったものたち。矛盾したまま、混ざり合ったまま、そこにある。ラベルの外側で、今日も静かに形を変え続けている。
それが、その人の今である。

Kuro Roi

作品名｜Fluid Figures

This body of work centers on the idea that queerness is not a Western import, but a living, sacred presence deeply rooted in Southeast Asia’s spiritual, cultural, and social histories. Long before colonial frameworks imposed rigid categories of gender and sexuality, identities across the region were understood as fluid, relational, and shaped by communal roles and cosmologies. Through research and cultural references spanning the Philippines’ bakla, the Iban Basir and Manang Bali of Borneo, Vietnam’s Lên đồng mediums, Cambodia’s Pia Saa Sor, Myanmar’s Nat Kadaw, Indonesia’s bissu, and the gendered performances within Mak Yong, this work highlights how diverse gender expressions were once integrated into sacred and social life.

Colonialism, religious institutionalization, and modern state governance reframed these identities through narrower, moralized lenses, pushing many into invisibility or stigma. Traditions such as Mak Yong and cross-gender performance practices across the region illustrate how gender fluidity was historically embodied within art and ritual, yet today struggle under conservative and political pressures. The erosion of these practices is not only a cultural loss but also a loss of queer lineage and memory.

Conceptually, the work positions these historical figures; Shamans, Performers, & Mediums as guiding constellations. Like stars in uncertain waters, they illuminate pathways of resilience for contemporary queer Southeast Asians navigating stigma and erasure. By revisiting and reclaiming these indigenous roles, the work challenges colonial narratives that frame queerness as foreign or deviant. Instead, it asserts queerness as sacred, ancestral, and intrinsic to the region’s heritage.

At its heart, the theme is cultural reclamation and protection. If these living traditions are not safeguarded, future generations risk losing both heritage and the language of belonging. The work calls for remembrance, preservation, and collective responsibility that queer identities have always existed at the intersection of the sacred and the social, woven into Southeast Asia’s past, present, and future.

コココ

作品名｜“We are Dasein.”

「恋人同士でも、親子同士でも、友達同士でも、そうでなくて一人でも。自分の手首を少し強く掴んで、そこにかすかに響く脈を、ゆっくり数えてみよう。」
多様なセクシャリティを持つ個人らがどのように扱われるべきか。我々の“あるべき姿”を掲示する公的文書により、我々は測られ、矯正され、ひどいときは無いものにされそうになる。そんな状況の中で、私たちは息をしている。
ふくらはぎにメジャーを巻くとその部分だけが窪んで、体表に凹凸ができる。メジャーをきつく巻くと、皮膚にシワができて、赤い跡が残る。こういう些細な存在の証が、メジャーを介して顕著に浮き出てくる。社会を形作る基準や規則の中に、私たちという存在は確かにあるのである。

佐海ずう

作品名｜漫画作品「くちなしの花嫁」

セックスワーカーとして働くレズビアンの恋人が、風俗店にて勤務中に利用者から「“もう”結婚できないね」と発言
されたことをきっかけに、家父長制に由来する婚姻制度や結婚式の慣習が生み出し続ける、
セックスワーカーや性的マイノリティへの人権問題に着目する漫画作品。第6回トーチ漫画賞　今井哲也賞受賞作品。

翔平

作品名｜ニジノハナ

様々な人が力を合わせることで色鮮やさな未来を作り上げることができる。
様々な人を様々な色の糸で、色鮮やかな未来を糸で作った花で表しました。
花はあえてぼやけた感じにすることで観る人によって違う見え方ができるようにし、未来のカタチは一つではないことイメージしています？

末浪（大塚）伸二

作品名｜祝日

本作は、ガラス板に描かれた日の丸を、針で一文字ずつ刻まれた無数の「NO HATE（差別反対）」の文字によって構成した作品である。光を透過するガラスは、国旗という固定化された象徴を不安定で壊れやすいものとして示し、その表面に刻まれた微細な文字は、見過ごされがちな個々人の声を可視化する。2012年以降、自民党を中心に「国旗損壊罪」創設を目指す動きは断続的に繰り返され、2025年には連立政権合意や参政党による法案提出へと至った。国旗が法によって「守られる対象」として強化される一方で、その内側に生きる人々の尊厳は十分に守られているのか。本作は、傷を刻む行為を通して、排除や沈黙を強いる力ではなく、いかなる国籍であっても、いかなる出自、人種、民族、信仰であっても、ジェンダー、セクシュアリティー、障害や感染の有無、過去の経歴にかかわらず、誰もが差別されずに生きられる社会こそが、日本のあるべき姿であると静かに訴える。一文字一文字の刻印は、その祈りの積層であり、時間と痛みを伴う反復行為として結晶化させたものである。

Stitchguy

作品名｜Peony with us

愛って明確でクリアなことが正解だと思っていたんです。
でも本当は輪郭がちょっとぼやけてたりして、離れてみたらクリアに見えてくることもあるのかもしれない。
ぼやけたり、見えなくなったり、またクリアになったり、近づいたりちょっと離れてみたり、
そんなことの繰り返しなんだなって思うんです。

TEN

作品名｜​You love them regardless of their sex

こちらの可愛い猫の絵は、私がSPCA NZのウェリントンセンターにて出会った、Seymourという保護猫の肖像です。描かれている猫の性別が何であるかは鑑賞者は気にせず、ただそこにいる猫を可愛がることができます。なぜあなたたちは、人間の性別については男であるとか女であるとかを気にせずにおれないのか。
猫にかぶせる形で書かれているのは、保護施設における猫の管理データです。
名前/種族/管理番号/シェルターに入った日/血統/マイクロチップ番号/性別/誕生日/重さ
の項目が書かれており、性別の項目のみ白塗りすることでこの猫の性別が読み取れないようにしています。
保護猫という社会の周縁に追いやられた存在を描くことにより、どんな属性を持っていても、あらゆる生命には尊厳があること、また、その尊厳は、性別を規定し管理しようとするシステムに脅かされることはないことを表現しています。
ちなみに、Seymourという名前が一般的に男性につけられる名前であることが多いのですが、そんな事を気にする人はここまで読んだ人にはいないでしょう。

鳥籠みつ器

作品名｜あの『狂気の歴史』へのレクイエム

「キース・へリング」「ミシェル・フーコー」-1980年前後のニューヨークで、時代、規範、エイズという社会構造を問うた、アーティスト、哲学者として知られる。

　現在のクィア・スタディーズにおいて、スティグマ（偏見）のインターセクショナリティ（交差性）は最重要なテーマである。ゲイ、HIVという共通項のもと思索、表現を続けた歴史的アイコンを参照し、ゲイ、発達障害である私の身体を実験的なモデルとして、セクシャリティ、欲望、病の記号、抽象化をおこない、AIによる表徴の再構成を試みた。

　欧米には肌色の多様性を象徴するクレヨンが存在する。今作品はあえてクレヨン、破り取ったスケッチブック、コンビニのコピー機を用い、誰もが手にできる安価なメディアと技術で、周縁に生きる人々の自由な表現と発信が、その生き方、社会の構造を変える希望へつながるメッセージを託した、2026年のグラフィティである。先達へのレクイエムとして、壁面に描かれたハートはあえて白、レインボーフラッグは黒の輪郭を強調した。

　ひとりが始める表現が、今、ひとりで生きる誰かに対話をもたらすかもしれない。あなたの感想と経験を、誰かに伝えてほしい。

長嶋一孝

作品名｜生命の輪郭・Taurus

本作では自身のジェンダーアイデンティティと向き合う中で感じた孤独や違和感を、神話に登場するミノタウロスに重ねて表現した。
ミノタウロスはギリシャ神話に登場する牛頭人身の怪物である。
手に負えなくなった怪物はやがて迷宮にとじこめられ、英雄テセウスによって倒された。
幼少期から続く自己肯定感の低さ、社会との乖離。
他者と自分を比べるたびに、「自分は怪物なのではないか」と錯覚するような感覚を作品に込めている。
それぞれの中にある「他者性」や「異質さ」と対話するきっかけになれば幸いである。

浪岡　道祐

作品名｜Judge

現在の社会における、身体的性と性自認の一致を前提とした規範は、男女という二元的枠組みに限定されない多様なセクシュアリティやインターセックスの存在を排除してしまう。本作は、性別という制度の及ばない身体を持つ境界存在としての「天使」に着目した。ルドルフ・シュタイナーの天使学において、天使は物質体を持たない存在とされるが、人間の次元に引き寄せ肉体を持たせ可視化した瞬間、男女いずれかの身体で描かれ、私たちは無意識に「男性」か「女性」かへと判断してしまう。本作は、その視線の癖そのものを露わにする試みである。画面には赤子の姿をした多数の天使が密集して描かれている。赤子という外見は性別判断の手がかりを股間のみに限定するが、その部分にはモザイクが施されている。鑑賞者は性別を見極める視線を奪われてしまう。また、画面を隙間なく埋め尽くす構成は、性別規範に押し込められる息苦しさや、曖昧な性を生きる人々が抱える圧迫感を象徴する。さらに、距離を取って鑑賞すると、個々の天使は均一なモザイク画の一部のように知覚され、性別への意識は薄れていく。本作は、性別とはどの地点から人間にとって重要な要素となるのかを、鑑賞体験の中で問い直すものでもある。

作品名｜Invisible 〜世界の実相は憎悪に覆われて見えない〜

本作は、天使を描いた絵画の上に、OHPシートで現代社会のニュース記事やSNS上のヘイトコメントを重ねる二層構造によって、「見たいのに見えない」という体験を生み出す作品である。制作当時、ロシア・ウクライナ戦争や、SNSに溢れるLGBTQ+への差別的言説を目にし、世界の残酷さを強く意識する一方で、それが世界の本質的な姿なのかという疑問が生まれた。
人々は成長するにつれ、憎悪や暴力が渦巻く現実を「仕方のないもの」として受け入れ、その奥にあるはずの美しさを見失っているのではないか。本作で重ねられたヘイトの層は、世界を覆う一時的な膜であり、いつか取り除かれ、本来の姿が露わになるという未来も連想させたい。
本作は、暴力的な情報に埋もれた現代社会において、私たちが失いつつある「本来の美しさ」へのまなざしを取り戻すことを問いかける。

Nelson Hor Ee Herng

作品名｜「鏡花水月」 – 4
（”Mirror Flower, Water Moon” – 4）

マレーシアのような宗教色の強い国で育ったにもかかわらず、私は宗教の中に心の安らぎを見いだすことができませんでした。同じ性別の人を愛するというだけで、どうして神がその人を罪人とみなすのかをその考えに私は葛藤していました。それでもなお、信仰の中に帰属意識や確信を見いだしている人々に対して、どこか静かな羨望を抱いてもいました。私にとってクィアネスは、安心できる場所であると同時に、宗教の代わりとなるものになったのです。
「鏡花水月」という初めての写真シリーズでは、もしクィアが宗教だとしたら、ドラァグクイーンのダンスこそが、私たちの聖なる儀式なのではないかと思って制作しました。

NOAH 淵 ノア

作品名｜Lost and Found

写真シリーズ『Lost and Found』は、フランスの伝統的な「アッサンブラージュ」の手法を用い、日本の「ボロ（Boro）」の美学と写真を融合させた作品である。本作は、摩耗した断片や構図を組み合わせることで「クィアな物の伝記」を提示し、生存の証と不完全さの美しさを探求している。東京レインボープライド2026のために制作されたこのシリーズは、トランスジェンダー中心的な視点から、同性愛、結婚、そしてノンバイナリー（非バイナリ）の自己発見を深く描き出している。

能村

作品名｜The Garden

“The Garden”というと、エデンの園という言葉が連想されます。さらには罪、誘惑、あるいは「閉ざされた楽園」といったイメージでしょうか。
宗教観や既存の倫理観の中で、同性愛が「異常性欲」とされていた時代。あるいは雑誌に取り上げられたとしても、『奇譚クラブ』に性的「嗜好」の一つとしてのみ掲載されていた時代を思うと、今は随分と状況が変わったように感じます。

私はよく、ゲイバーが社交場としての役割を十全に果たしていたであろう時代に思いを馳せます。叶わぬ願いではありますが、三島由紀夫の『禁色』に登場する「ルドン」のモデルとなった「ブランスウィック」を訪ねてみたかった、というように。

「閉ざされた楽園」の中でのみ同性愛者として振る舞える時代、そしてその「聖域」という耽美。学校という知恵を授かる閉鎖空間で疑惑をかけられ、怯えていた「閉ざされた庭」という恐怖。

画面を覆う蓮の中に佇む、表情を持たない学生服の青年たち。彼らは特定の誰かではなく、「閉ざされた楽園」であり「閉ざされた庭」であった場所で生きた、無数の匿名的存在の象徴です。

バスコ田ガマ子（VASCO DA GAMACO）

作品名｜バスコ田ガマ子

バスコ田ガマ子の名を冠した本作品は、自身の肉体を「身体彫刻」として差し出し、クィア・アイデンティティの流動性と多層性を祝福する儀式である。

壁面にランダムに配置された約100枚の写真は、これまでに変容させてきた無数の「バスコ田ガマ子」の断片であり、画一的な性の規範から逸脱し、自己を再定義し続けてきた闘争と解放の軌跡である。

その変遷を背負い、日替わりで異なる装いをまとい存在する生身のバスコ田ガマ子本人は、既存のカテゴリーに収まることを拒絶する「クィアな存在」の現在地を鮮烈に提示する。

過剰な装飾は、社会が押し付ける「正しさ」を攪乱し、ありのままの自分を誇り高く掲げるための武装であり、聖衣でもある。

過去の残像と、今この瞬間に変容し続ける肉体が交差するこの空間は、鑑賞者に多様な生の在り方を可視化させ、共鳴を呼び起こす。

本作は、個人の物語を社会的な祝祭へと昇華させ、全てのアイデンティティが自由に羽ばたく未来を予兆させる、一つの「生きた宣言」なのである。

林克彦

作品名｜シャワールーム

日本画で平面作品を描きながら、画面から人物だけプクーと膨らんだら面白いなと思い、夢中で作り始めました。出来上がったものが日本の羽子板のようで、勝手に「押絵シリーズ」と呼んでいます。

「膨らます表現＝太った人」が適していると思い、このシリーズは体格の大きい人をテーマにしました。

「シャワールーム」はその名の通り、二人の男性（たぶんゲイ）の無言のやり取りを、手芸の温かさによってユーモラスに表現しています。

藤木　幸聖

作品名｜みんなおともだち

本作は、2歳の息子による作品です。
息子にとって、周囲の人や物はすべて「おともだち」です。電車やおむつ、空や犬、すれ違う人にも自然に挨拶をします。私たち大人も、幼い頃はそうだったはずです。しかし、いつから好き嫌いが生まれ、偏見や差別を身につけてしまったのでしょうか。その社会の寂しさを、偏りのない幼い感性から大人が感じとれないかと思い、本作を出品しました。
「だいすきな絵を描いてみよう」と声をかけ、画用紙を渡したところ、小さな手で描いたカラフルな手形は、多様な人や感情のように見えました。画面に現れるぐるぐるは、“Q（Questioning）”―自分や世界を問い、彷徨う感覚を表している、母である私はそう感じました。黒い手形は、差別や不安、あるいは理解されにくい存在かもしれません。しかし、色と交わり、共に在ることで、黒もまたともだちになっていく。その過程こそが、多様性を受け入れる社会の原点なのではないかと、私は感じています。

FROM THE HELL MAGAZINE

作品名｜こんばんはノンバイナリーです

ノンバイナリーやそうかも知れない/近いアイデンティティを持つ人、ノンバイナリーじゃないけど共に生きる意志のある人総勢79人の原稿を集めたノンバイナリーの実存を強く訴える大ボリュームZINE!!

ノンバイナリーは数あるアイデンティティの1つとしての意味とアンブレラタームとしての意味とがありますが、今回のZINEでは性別二元論に囚われない在り方を示すために後者の意味を採用しています。ノンバイナリーと一言で言ってもその在り方は本当に多様で、その纏め切れなさとそれぞれの実存をこのZINEを通して感じて欲しいです。

著者(敬称略):
あさおきる/有智子/アヅマ ヒバリ/ayano/&-/イチジョウサヤカ/糸賀/犬Q/aoi/意灰/いまいさん/鱗/大関愛/Oh! Coming/autumn ship/オカワダアキナ/ONNE/カエ/kappanjoe/カーヤ/垣田/桔乃一三千/海月/ぐるぐるめー/KEIKA/川口 哩央/小道(こみち)/米パンチ/コンソメ/さいとう・まの/作田渓/sad flying frog/汐沢 有真（シオサワ アリマ）/ししょー/じゃっく/隼/しんちゃん/寿司テルヤ/スズハラ/髙橋/壺/D ( ディー)/トイ・ヨウ/永月レガ/nag/นัท(Nat)/nameKo@komo1615/なん/20241119/のあ/ノエる/のあ/のはる/鳩子/はまくり/√はりねずみ/柊/冷え性/日暮南天/ひせつ/Vlad Khatt/ポン/ほうきとぼうし/マスミ ケイ/的野町子/みちゆき とおる/穣/muda/無文/柳川麻衣/柳ルキ/山口舞桜/ゆい/ゆいの/裕 Yutaka/uma/玉米湯/ゆっきたーん/ろくじにふん

企画/編集/デザイン/装画:ayano
編集補助/進行管理:堀川夢
出版:FROM THE HELL MAGAZINE
企画・編集:ayano

HEY2

作品名｜SPECTER ONES

既存の価値観や単一次元的な視野を軽やかに再考するというコンセプトのもと、見慣れたものの“スペクトル”をずらし、その奥に潜むスペクトラル（言葉や視覚では感じ取れない気配）を探る試み。彼らに他者からみられるイメージとは違う一面があったらどうなるだろう？素性を隠しながら他者との接触を持つとしたら？という思考でリパッケージした。

街角ノワ

作品名｜好-hao-

かつて中高一貫の女子校という閉鎖的な空間で見聞きした恋愛を、大人になった視点から再構成した連作短歌です。
2025年9月に発行した歌集(全30首)より12首を抜粋し、タイトルの文字と合わせたアート作品として構成しました。

私の学生時代には、軽い言い方で誤魔化すことしかできなかった想いがたくさんありました。
本作は、青春という言葉で片付けるにはあまりに切実だった行き場のない「恋」の墓標であり、同時に未来への祈りでもあります。
あの日教室の片隅で主人公だった彼女たちのその後の人生が、どうか笑顔に満ちたものでありますように。

村上陽香

作品名｜春が来て

二十歳から八年間交際した異性の恋人に宛てた、今だから書ける手紙。本人に届くことのない、懺悔の手紙。二十代という多感な時期、学生生活を送る中で、異性愛規範の中にクローゼットとして生きることの難しさを痛感していた。恋人がいなければ理由を聞かれる。友人たちは良かれと思って出会いの場を持ってこようとする。飲み会の中で聞かれる「好きなタイプ」は当然のように「異性」を前提としていた。あの苦しい時代を、私は彼を隠れ蓑にすることで「みんなの善意」を跳ね除けていた。そこにどれほど愛があったかは、今となっては測りかねる。それでも、人生における大切な時期であったことを認めて、筆をとった。

最寄り

作品名｜埋み火

鏡に映る像は、私自身を手がかりとしながらも固定されたひとに収まらず、「在ること」を模索し続ける身体のイメージとして描かれています。

誰もが痛みを抱えて生きています。傷は痛みを伴いながら、時間の経過や選択を可視化する印として身体に現れます。それは欠損や喪失のみを意味する単なる記録ではありません。本作における胸の傷は、失われたものの痕跡であると同時に存在の輪郭を形づくる光です。星のように輝くそれは、痛みを装飾するだけではなく、経験がそこに刻まれていることを示しています。

本作が見る者それぞれに自身の身体や記憶を重ね合わせる契機となること、そして誰もが思う姿のまま生きられる世界への想像が、この像との対面から静かに立ち上がることを願っています。

リリコーコ

作品名｜Pink Pony Club

Chappell Roanの曲「Pink Pony Club」からインスピレーションを得て制作した。ピンク・ポニー・クラブは、誰もが安全に自分らしく存在し、自分と同じような人々とともに、その存在を祝うことができる空間のメタファーである。クィアであり、移民でもある自分にとって、そのよう場所なは常に憧れである。

本作品は、マイノリティの人々の声を表現し続けてきたクィアアーティストたちへのオマージュであると同時に、自身もクィアアーティストとして、自分と同じような人々に「全ての人がありのままの姿で生きていける場所がある」というメッセージを届けたい、という思いを込めて制作した。

林家夯（Lin Jaihang）

作品名｜Zsa Zsa Zsu #5

台湾において同性婚が法制化された2019年。社会が大きく動き出したその傍らで、写真家・林家夯（（リン・チャーハン）は、より身近で、より個人的な「愛の風景」を記録し始めた。本作は、結婚という新たな選択肢を手にした人々、あるいは互いに人生を預けようとする者たちの、何気ない日常の一幕を切り取ったものである。

窓から差し込む逆光のなか、泡に包まれた髪を優しく撫でる指先。そこには、言葉になる前の親密さと、相手を慈しむ静かな情熱が漂っている。林のレンズは、社会的な権利の獲得という大きな物語の背後にある、こうした「触れる」という行為の重みを、繊細な光と影で描き出す。

愛することへの不安や渇望を抱えながらも、目の前の温度を分かち合う。この一枚は、特定の誰かの記憶であると同時に、変化を遂げる台湾社会の中で確かに息づいている、普遍的な愛の肖像である。